에두아르 마네, [풀밭위의 점심식사] Le Déjeuner sur l'Herbe

Edouard Manet

[French Realist Impressionist Painter, 1832-1883]

[풀밭위의 점심식사]Le Déjeuner sur l'Herbe (The Picnic),

 1863. Oil on canvas
214 x 269 cm (84 1/4 x 106 1/4")
Musee d'Orsay, Paris

인상파의 대표적인 화가로 알려져 있는 에두아르 마네(Edouard Manet, 1832～1883)는 1863년 두 점의 회화작품을 선보이면서, 그의 이름을 미술사에 등록시켰다. 그중 한 작품이 매춘부의 누드를 주제로 한 <올랭피아>이고, 다른 한 작품이 <풀밭 위의 점심식사>이다. 마네는 1863년 당시 관전인 살롱(Salon) 전에 이 작품을 <목욕>이라는 제목으로 출품했었으나, 결과는 낙선! 사실 이때의 미술 풍은 아카데미 화가들에 의한 신고전적인 화풍이 주도권을 잡고 있었던 시기로서, 소묘를 중심으로 하는(그것도 아틀리에에서 정성껏 꼼꼼하게 그려내는) 이성에 의한 완전성을 미적 이상으로 삼고 있었기에, 마네처럼 야외에서 순간의 인상을 ‘거친 붓 터치의 수법’(impasto)에 의해, 그것도 전통적인 주제에서 벗어난 일상에서의 미화되지 않은 모델을 대상으로 하는 누드작품은 심사위원들의 눈에는 작품도 아니었었을 것이다.

마네와 함께 미술상의 노선을 함께하는 한 무리의 아방가르드 미술가를 미술사에서는 인상주의(Impressionism)라고 부르고 있다. 그야말로 순간순간 변화하는 대상을 야외의 태양빛 아래서 그때그때 자기 감성에 충실하게 그려내는 ‘찰나의 미학'이 그들의 공통된 강령이었다. 그들에게 예술은 이성의 소산이 아니라 감성의 소산 ― ‘감성의 미학’ ― 이었다. 따라서 마네는 이성에 기초한 소묘보다는 감성을 드러내는 색채의 표현이 주된 관심사였다. 그러나 <풀밭 위의 점심식사>는 당시 사회의 이중적 도덕성에 대해서 신랄한 공격을 퍼 부은 것으로도 유명하다. 당시 비평가들은 이 그림에 대해 “어디 교양 없는 매춘부가 감히 교육받은 남자들을 뚫어지게 보고 있느냐!”라고 혹평을 퍼 부었다. 사실 화면 오른쪽 인물은 쓰고 있는 모자를 통해서 볼 때 당시 파리 대학의 학생임이 틀림없다. 마네는 어느 정도 교육을 받은 중산층 이상의 남자들이라면, 마음만 먹으면, 여자들을 돈으로 사서 화면 속 여인들처럼 언제든지 자신들의 뜻대로 즐길 수 있었던 당시의 현실을 이 작품을 통해서 비꼬고 있었던 것이다.

이상 출처:http://cafe.daum.net/jsseo43/3Ka7/4

 

19세기 당시 세계미술의 중심은 파리였고, 그 중에서 관전인 살롱전(le Salon de Paris)에 미술품을 출품하는 것이 모든 화가의 꿈이었다. 그러나 그 심사위원들은 대부분 보수주의자 였고 이들이 바로 그 시대의 대중의 기호를 결정짓는 잣대이기도 했다. 마네는 역시 '풀밭위의 점심식사'를 내놨다 보기 좋게 거절당하고 만다.

 

나폴레옹 3세는 살롱전 낙선자들의 반발을 무마하기위해 그들에게도 작품을 전시할수 있는 기회를 주게 되고 1863년에 열린 낙선자 전시회(le Salon des refuses)가 그것이다.

현대 미술의 출발점으로 간주되는 1863년의 [낙선전]은 마네는 물론 휘슬러, 피사로, 세잔 까지고 포함되어 있었다.  이 낙선전에 마네는 [풀밭위의 식사]를 출품하여 큰 반향을 일으킨다.

1863년 <풀밭에서의 점심식사>를 그리기 얼마 전 마네는 친구이며 훗날 프랑스 문교부 장관이 된 프루스트와 함께 센 강가에서 일광욕하는 여인들을 물끄러미 바라보다가,

 

“나도 누드를 그려야 할 것 같아. 음, 내가 저들에게 누드를 보여주겠어!”라고 했다. <풀밭에서의 점심식사>는 스페인 의상을 한

두 중년 신사와 누드의 여인이 준비해온 점심식사를 풀밭 위에 펄쳐 놓고 한가로운 시간을 보내는 장면을 그린 작품이다. 주말이면 중산층이 센 강가로 피크닉 가서 오찬을 즐기는 건 흔한 일이었다. 하지만 작품처럼 여인이 누드로 남자들 사이에 앉아 있는 경우는 없었다. 피크닉 장소에 여인이 누드로 앉아 있다는 것은 아주 과격한 회화적 시도였으며 그런 모습을 본 관람자들은 경악할 수밖에 없었다.

당시에도 누드는 많은 그림들의 소재가 되어왔지만 지금까지와는 달리 여인은 고전적인 누드가 아니라 벌거벗은 모습으로 평론가들은 고전적인 주제의 누드를 평범한 여인에게 적용한 데 놀랐다. 누드 여인은 마네가 아끼던 모델 빅토린 뫼랑이다.

마네는 화실에서 누드를 그린 후 피크닉 장소에 있는 것처럼 삽입했다.

두 남자는 마네의 동생과 여동생의 미래의 남편이었다.

 

황제가 이 작품을 “뻔뻔스러운 그림”이라고 비난했으므로 사람들은 더욱 문제의 작품을 보려고

주말이면 전시장 밖에 줄을 섰다. 관람객들은 그림앞에서 자신들의 실제의 모습을 보는 결코 익숙하지 않은 일을 경험하게 된다.

그런데 숙녀가 남자들 앞에서, 그것도 파리 시민들이 자주 애용하는 휴식처인 블로뉴 숲에서 알몸으로...결코 있을 수 없는 일이다..

이 작품에 쏟아질 비난을 마네는 상상조차 못했다. 이 작품에서 누드뿐 아니라 앞의 세 사람의 구성, 옆으로 쓰러진 바구니, 정물 등 부분들의 묘사가 뛰어나다.

이와 함께 전통적 회화방식에 따른 명암 대비를 자연스럽고 우아하게 처리하지않고 흑(신사의 옷)과 백(나부의 살결)을 극명하게 대비시킨 것도 당시의 화풍으로 볼 때는 한마디로 건방진 짓이었다. 그러면서도 벗은 여인이 부끄럼도 없이 똑바로 앞을 보며 두려워하지 않는 그녀의 시선은 보는 이로 하여금 화를 자아내기 충분하다.

마네의 이 작품은 에밀 졸라가 호평한 후부터 사람들의 사랑을 받기 시작했다.

“이 작품에서 주목해야 할 점은 풀밭에서의 오찬이 아니라, 강렬하고도 세련되게 표현한 전반적인 풍경이다. 전경은 대담하면서도 견고하며 배경은 부드럽고 경쾌하다. 커다란 빛을 듬뿍 받고 있는 것 같은 살색의 이미지, 여기에 표현된 모든 것은 순하면서도 정확하다.”

마네는 누드 여인으로 하여금 관람자를 빤히 쳐다보게 했다. 과거에 누드를 그린 화가들은 모델이 다른 곳을 응시하게 하여 관람자가 누드를 제삼자를 바라보듯 거리낌없이 바라볼 수 있도록 했지만, 마네는 모델을 이인칭으로 그려서 관람자를 직접 바라보게 했다. 이는 그림과 관람자 사이에 새로운 관계를 설정한 것으로 관람자와 그림이 더욱 친숙하게 되었으며, 또한 관람자가 주제를 자신들의 시대적 감각으로 해석해도 무방하다는 것으로 작품감상의 자유로움을 느끼게 해주었다. 마네는 인상주의 운동에 적극적인 동참을 하지 않으나 이 작품은 주제나 조형 및 색채면에 있어서 인상주의와 직결되는 사실주의 새 가능성을 제시해 주는 획기적인 작품이다.
이상[출처] ★<뜨거운 감성 차가운 이성②> http://blog.naver.com/so_time/120045193857

 

"누르스름한 배를 드러낸 이 오달리스크는 도대체 뭔가? 올랭피아를 표현한답시고 어디선가 주워온 모델 같은데, 올랭피아라니? 어떤 올랭피아? 그것은 고급 창녀일 뿐이다. 천박한 처녀를 이상적인 모습으로 표현했다고 마네를 비난할 사람은 없다. 그는 걸레를 그렸으니까."

마네가 가로 누운 여성 누드를 주제로 그린 ‘올랭피아’(1863)는 1865년 살롱 전에 내걸렸다가 화단 안팎으로부터 엄청난 비난을 받았다. 그 대단했던 비난의 강도만큼이나 오늘날 19세기를 대표하는 걸작의 하나로 찬사를 받는 이 그림은, 그만큼 시대의 급격한 변화를 상징적으로 보여주는 이정표 같은 작품이다.

 

이 위대한 걸작의 모델은 빅토린 뫼랑(1844∼1927)이다. 마네가 어떤 여인에게 모델을 서 달라고 부탁했다가 그 여인이 주저하자 “싫으면 관두라지, 나에게는 빅토린이 있으니까”라고 했다는 바로 그 빅토린이다.

‘올랭피아’에서 빅토린은 좀 당돌해 보인다. 무엇보다 관자를 쏘아보는 그녀의 눈길이 매우 당당하다. 옷을 벗은 여자가 전혀 부끄럼 없이 다른 사람을 쏘아보는 것, 그것은 여염집 여인에게서 기대할 수 있는 일은 아니다. 물론 관자를 바라보는 서양 누드 그림은 이전에도 많이 있었다.

 

그러나 그들은 비너스로서, 혹은 다른 전설이나 로맨틱한 이야기 속의 히로인으로서 관자를 바라보는 존재였다. 그것도 은근하게…. 이 그림에서처럼 모델이 다른 외피를 쓰지 않고 자신을 그대로 드러내놓는 그림을 보기란 당시로서는 쉽지 않은 일이었다.

사실 이 부분은 당시 왜 그토록 많은 비난이 이 그림에 쏟아지게 했는가를 잘 나타내주는 부분이다.

 

서양미술에 있어 누드란 아름다움의 극치를 의미했다. 미적 이상의 절정이었다. 그만큼 누드는 동경과 꿈·기대·소망·이상을 담은 저 하늘의 아름다움이어야 했다. 물론 누드에는 진한 에로티시즘이 담겨 있다.

 

하지만 땅의 에로티시즘을 하늘의 이상으로 승화시킬 때 비로소 ‘진정한 누드’는 탄생할 수 있다. 이런 관념이 그때까지의 누드 미술에 진하게 배어 있었다. 그런데 마네는 그 하늘의 아름다움을 땅의 추함으로 곤두박질시킨 것이다.

비너스도 아니고 님프도 아닌 그 벌거벗은 여인은 돈을 받고 몸을 파는 저 사창가의 창부와 다를 바 없었다.

벌건 대낮에 이 창부에게 지고의 예술적 경배를 드리기 위해 정장과 드레스를 갖춰 입고 우아하게 전시장에 입장한 관객들로서는 분통이 터지고 욕설이 나오지 않을 수 없었던 것이다. 우리가 지금 이 창부의 고객이란 말인가?

 

더 이상 신화나 전설에 기대지 않고 살아 있는 시대의 이미지로 누드를 그리려 한 마네, 그리고 이에 거부감을 갖고 맹렬히 마네를 비난했던 당대의 ‘우둔한’ 비평가들과 관람객들.

 

우리는 이 둘의 싸움에서 끝내 마네가 승리했다는 사실에 기뻐하며 그에게 영광을 돌리는 데 큰 자부심을 느낀다. 비록 많은 어려움을 겪었지만, 역사를 선도한 마네는 끝내 영광의 옥좌에 앉았다.

하지만 오늘날 모델이 됐던 빅토린을 알아주는 사람은 거의 없다. 마네의 의도에 따라 ‘날것’으로 스스로의 모습을 드러내놓았지만, 사람들이 자신을 향해 던지는 ‘외설’ ‘음란’ ‘창부’ ‘걸레’ 따위의 말이나 들어야 했던 빅토린.

그럼에도 모델 일을 주저하는 다른 여인에게 마네가 “그래도 나에게는 빅토린이 있다”고 말한 데서 알 수 있듯 그녀는 현실에 크게 흔들리지 않았던 듯하다. 이와 관련해 그녀의 기질을 엿볼 수 있는 비평가 귀스타브 제프루아의 다음과 같은 증언이 인상적이다.

“(빅토린은) 역마살이 낀 자유분방한 여인네로, 마네가 하룻밤 풋사랑을 나눈 맥주홀의 바람기 있는 여자이다.…그의 눈빛은 신비롭고 얼굴은 매정한 어린아이 같다.”

 

빅토린은 그 나름으로 세상에 대한 냉소가 있었던 것 같다. 단순히 모델을 설 뿐 아니라 그림도 배워 예술에 대한 이해가 있었고(그는 토마 쿠튀르의 화실에서 모델로 일하는 한편 그의 여성들을 위한 아틀리에에서 그림을 배우기도 했다. 또 아카데미 줄리앙의 이브닝 클래스에 다니기도 했다), 더불어 아방가르드 예술가들과 어울리면서 시대를 비웃을 줄도 알았다.

물론 현실이 얼마나 냉혹한 것인가를 잘 인식하고 있었기에 화가로 활동할 때는 살롱에 여러 차례 출품하는 등 제도권에서의 인정을 갈망하기도 했다.  빅토린의 화가로서의 재능이나 활동이 모델의 그것에 비해 덜 조명돼왔고, 그것이 여성에 대한 시대의 편견 때문이라고 보는 구미의 페미니즘 미술사가들은 그런 점에서 최근 빅토린에 대한 연구를 활발하게 전개하고 있다.

 

빅토린은 1844년 2월18일 파리에서 태어났다. 1860년대에 쿠튀르 화실에서 모델을 서다가 역시 쿠튀르에게서 그림을 배우던 마네를 만났다. 1862년부터 1874년까지 빅토린은 마네가 가장 좋아하는 모델이었다.  한동안 빅토린은 알코올에 절어 일찍 사망한 것으로 알려졌으나, 새롭게 밝혀진 기록에 따르면 1927년 83세의 나이로 사망했다. 장수한 편이었다고 할 수 있는데, 최후 수십년 간의 행적에 대해서는 알려진 게 거의 없다.

 

빅토린은 별명이 ‘새우’였다. 자그마한 몸집 때문에 붙여진 별명이다. 그러나 그림을 통해서는 신체의 사이즈 같은 것이 쉽게 측정되지 않는다. 그보다는 예의 뚫어질 듯 쏘아보는 눈동자가 특징적이다.  실제로 빅토린은 강렬한 시선을 갖고 있었다고 한다. ‘풀밭 위의 점심 식사’, ‘에스파다 옷을 입은 빅토린’ 등 마네의 그림에 등장한 빅토린은 늘 그림 밖을 응시하고 있다. 한편으로는 반항적이고, 다른 한편으로는 무관심하다는 그런 표정으로 말이다.

 

머리카락의 색도 적갈색이어서 이런 반항의 뉘앙스를 더욱 부채질한다. 그림 속 빅토린의 타오르는 시선은 그러므로 마네의 연출에 의한 것이 아니라, 마네조차 사로잡아 늘 그렇게 그릴 수밖에 없게 한 그의 타고난 자력 같은 것이었다. ‘에스파다 옷을 입은 빅토린’에서 그의 시선은 지금도 여전히 우리를 사로잡는다. 투우가 벌어지고 있는 현장이지만, 빅토린의 시선은 소에게 가 있지 않다. 그의 진정한 관심은 소가 아니라 그를 바라보는 관객이다.

 

그는 단 한 사람의 관객도 자신의 자장으로부터 벗어나기를 원하지 않는다. 그가 지금 이 투우판에 뛰어든 것도 우리의 시선을 자신에게 고정시키기 위한 것이다. 그렇게 정면으로 마주한 시선 속에는 더 이상 거짓이나 가식이 존재할 수 없다. 당시 한 비평가는 이렇게 썼다.  “젊은 여자에게는 어울리지 않는 복장이고, 어울리지 않는 놀이다. 좀 덜 과격한 놀이를 하면 좋을 걸. …솔직히 나더러 과일 잼을 만드는 여자와 황소를 찔러 죽이는 여자 중에 하나를 택하라 한다면 당연히 전자를 택할 것이다.”

 

오늘날 스페인에서 여성 투우사도 인기 몰이를 하고 있다는 사실을 이 비평가가 안다면 뭐라고 할까? 빅토린은 바로 그런 시대가 다가오고 있으며, 자신의 시선은 그 시대적 변화를 사람들이 정면으로 바라봐 주기 원하는 것이라고 하지 않을까? 재미있는 것은, 이렇게 생생한 시대의 현실로 그려진 모델이 파리지엔이였다는 사실이다.

 

이전까지 파리 화단의 인기 모델들은 대부분 유대계 아니면 이탈리아계였다. 이국적 미모는 누드를 이상화하는 데 훌륭한 밑천이 됐고, 기독교나 그리스·로마 신화 주제를 그리는 데 있어 그와 관련된 인종의 모델이 선호되는 것은 지극히 당연한 일이었다.  그러나 마네는 더 이상 그런 ‘뜬구름 같은 주제’를 그리고 싶지 않았다. 당연히 타인종 모델을 쓰기를 원하지도 않았다. 그는 현실에서 취한 이미지를 생동감 넘치는 시대의 감수성으로 표현하고 싶었다.

그런 점에서 빅토린은 그의 이상적인 모델이었다. 신화를 그리는 그림에서 시대를 그리는 그림으로 넘어가는 이 역사적인 분기점에서 그는 가장 현대적이고 개성적인 파리지엔을 만났던 것이다.

출처: 다움신지식 글 : 이주헌 아트스페이스 서울 관장